de Fabio Gorgolini et Fabio Marra
Compagnie Teatro Picaro
Mise en scène : Fabio Gorgolini

Le théâtre nous fait rêver, dit-on. Et qu’est-ce qu’un rêve sinon un voyage très particulier dans les espaces étranges et vaguement familiers des désirs enfouis, un récit instable d’images qui cherchent à nous parler de ce que nous pressentons en nous-mêmes.

Précisément, le spectacle Prêt-à-partir, comme Le Capitaine Fracasse, nous fait rêver car il parle d’emblée du voyage : celui des comédiens d’une époque ancienne qui pourrait être, au vu des costumes (très réussis), celle de Molière, le temps où l’«Illustre Théâtre» se déplaçait dans le Midi de la France en tournées aussi difficultueuses qu’impécunieuses.

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De David Harrower
Collectif IMPAKT
Mise en scène : Jérôme de Falloise, Sarah Lefèvre et Raven Ruëll

Sur le sujet sulfureux, fascinant et d’actualité, de la pédophilie et de la sexualité des enfants, le texte de David Harrower échappe à tout goût du sensationnel, tout didactisme et tout moralisme : il en fait un véritable texte de théâtre, en travaillant subtilement les conflits passionnels et sociaux qui traversent les personnages et en créant une forte tension dramatique, qui joue sur les heurts, les retournements et les surprises.

Qu’une très jeune fille s’enflamme pour un homme de l’âge de son père n’a rien de rare ; qu’ils en viennent à des relations sexuelles ne l’est sans doute pas, la loi – d’aujourd’hui, dans nos pays occidentaux – appelle cela détournement de mineur, abus sexuel. Le terme pédophilie désigne la déviance de l’adulte qui manifeste une préférence sexuelle pour des enfants. Il y a une différence entre ces deux situations, même si la société confond les deux. Toute la tension dramatique de notre pièce repose sur cette question : amour sincère pour un individu mineur consentant ou pédophilie, attirance prédatrice pour des enfants ?

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De Stefan Zweig.
Cie Carinae et Atelier Théâtre Actuel.
Mise en scène d'Elodie Menant.

Il est coutumier de dire que le xxe siècle s'ouvre avec la guerre de 14. Ainsi la nouvelle de Stefan Zweig, écrite en 1913 (quoique publiée en Autriche en 1920) appartient au XIXe, au temps où les femmes de la bourgeoisie aisée ne travaillaient pas, se déplaçaient en fiacre et portaient des robes longues. L'écriture aussi est datée. Il s'agit d'un très court roman dans le style où Stefan Zweig excellait, avec une analyse psychologique fine et fouillée, décrivant les tourments d'une épouse infidèle en proie au harcèlement de plus en plus pressant d'une femme qui exerce sur elle un chantage qui ne cesse d'être plus exigeant : se faisant extorquer des sommes d'argent toujours plus importantes et n'osant en parler à son mari car il lui faudrait avouer sa faute, elle entre dans une spirale infernale de peur, de mensonge et de culpabilité et s'y enfonce inexorablement.

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Brave Stefan Zweig,
Compagnon des mauvais jours,
Qu’as-tu subi pour si bien connaître
La cruauté de la loi du plus fort ?
Le chat paraît si doux
Quand il joue avec l’oiseau.
Comme il était fort et beau ce soir ce brave homme,
Superbe mygale masculine,
Enfermant dans sa nasse doucereuse
Sa poupée enfantine.
Cocon de bave venimeuse  
Adroitement tissé
Par un gentil baveux du barreau,
Qui tue lentement sa victime
Prise à la glue intime de sa culpabilité.

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De Christophe Moyer
Mise en scène de Christophe Moyer
Compagnie Sens Ascensionnels

Une fable sur l’équilibre et le déséquilibre du monde. Disons, plutôt du déséquilibre. Car l’équilibre, on l’attend. Mais l’auteur du spectacle, Christophe Moyer, est un optimiste, il ne laisse pas le spectateur quitter la salle le désespoir au cœur. L’équilibre peut se trouver…
Dans une volonté d’exprimer ses inquiétudes, ses refus et ses désirs quant à la marche du monde, Christophe Moyer met le théâtre au service de son engagement. Comme écrivain, metteur en scène, comédien, il veut « questionner notre monde en tentant de faire se rencontrer les notions de spectacle et d’engagement ».
Comment ? Par une fable. L’histoire gentille et amusante du peuple des Zoblics, condamnés à vivre sur une terre en pente, car le lac auprès duquel ils habitaient s’est vidé de son eau, et leur terre s’est mise à pencher. Trop d’un côté, pas assez de l’autre.

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D'apès Andromaque de Racine
Théâtre Silvia Monfort et En votre Compagnie
Mise en scène de Néry

Oreste aime Hermione qui aime Pyrrhus qui aime Andromaque qui aime Hector qui est mort...linéaire, simple, direct comme ces ballons alignés sur la scène, comme ces figures d'un jeu de massacre que quelques heures vont précipiter dans la béance d'un néant attendu...
On part d'une normalité presque rassurante dans une salle que la tragédie n'a pas encore plongée dans l'obscurité... Puis, peu à peu, les personnages prennent du corps, de l'étoffe, de la chair et du cœur. Le jeu se coule, se love dans la langue racinienne, dans son balancement, son équilibre, sa clarté...cette langue qui semble retenir l'excès des passions qu'elle exprime alors que sa précision même taille chaque facette de l'âme avec une redoutable évidence.

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Il a fallu négocier pour emmener nos ados voir « du Racine » mais à peine la pièce commencée, les explications pleines d’humour et l’interactivité avec le public dessinent un sourire et même des rires sur leur visage. Les bases de la tragédie sont données et nous pouvons glisser sans s’en rendre compte vers les alexandrins raciniens.
Le texte est magnifiquement dit et les spectateurs de tous âges se délectent du jeu des deux comédiens qui endossent tous les rôles.
Ah, si tous les ados pouvaient rencontrer les textes de Racine de cette façon …

S. Le Stang
 

Le jour où j’ai redécouvert Andromaque.

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Ce soir, il y avait du Racine et des ailes,
Avec des ballons d’enfant éclatants qui crevaient de rire en pétant.
Il y avait un cheval de Troie de Foire du Trône
Et des histoires éternelles de princes et de rois,
Qu’on acclame, qu’on sacre et qu’on détrône, en les conspuant.
Il y avait des ballets de ballons de couleurs et des balais-brosses,
Pour raconter l’horreur des passions atroces
Qui naissent des viols abjects et des massacres de masse,
Et meurent dans l’esclavage, la torture et les assassinats.
On se dit qu’en Épire, c’était pire !

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De Georges Feydeau
Compagnie Viva la commedia
Adaptation et mise en scène : Anthony Magnier

Faire rire est la chose la plus difficile et la plus mystérieuse qui soit.
La troupe de la Compagnie « Viva La Commedia » a réussi son pari ce samedi 23 mai, nous faire rire grâce à la pièce du dramaturge Georges Feydeau : « Un fil à la patte ».
Le public a ri de bon cœur. Il a ri face aux situations cocasses qui se sont succédé avec une vivacité de gestes et de paroles. Cette histoire de mœurs nourrie de faits quotidiens aura moins d’éclat sans doute que l’histoire officielle mais elle ne sera pas moins passionnante, ni moins sublime, car elle sera l’histoire des petits travers de la nature humaine.
Dans une mise en scène d’Anthony Magnier réglée au millimètre près, les comédiens suggèrent par un bruitage vocal intelligent tout ce qui peut rappeler les portes qui claquent ou des sonneries quelque peu intempestives.

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Explosif, corrosif et insurrectionnel !
Feydeau prend de l’âge
Pour nous revenir plus fort encore,
Balancier de fonte volage,
Lancer du Passé dans la tête des gens.
Grand-messe du théâtre de boulevard,
Du temps où les boulevards gardaient le moral
Grâce à la République coloniale.
Eruptif, éructant, pulsionnel !
Pan sur le pif,
Pif dans les dents,
C’était la fête des grands enfants.
On roulait les chaises et les « R »,
On se roulait par terre en criant,
Chacun pour soi,
Le fric pour tous,
Le sexe pour certains seulement.

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d'Alexis Michalik.
Par la Cie ACME
Mise en scène : Alexis Michalik

 

Placée dans le sillage d'Alexandre Dumas, grand maître du feuilleton romanesque, la pièce rappelle que la devise de Monte-Cristo est "Attendre et espérer".

Que dire ? cette fois, selon toute apparence, il y a unanimité sur ce spectacle : le plaisir pur, l'enchantement, les gens debout pour applaudir et les bravos qui fusent.
Si la perfection existe au théâtre, avec "Le porteur d'Histoire" d'Alexis Michalik, on s'en approche sérieusement. Efficacité du récit, économie des moyens, intelligence du discours, inventivité de la mise en scène, sens du rythme, prouesse des comédiens incarnant tous les personnages, jeunes et vieux, épousant tous les registres... on ne sait que dire... à part merci ! merci ! magnifique ! bravo et encore bravo !

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Histoires d’Histoire et paroles d’or,
Une saga écrite sur les corps,
Docteurs –ès- Lettres anonymes,
Pleins et déliés et phrases folles,
Carnets, livres, journaux intimes,
 Mois et années et montres molles.
Les histoires se jouent du temps,
Les arbres généalogiques
Ne sont pas gênés par la logique,
Ne sommes-nous pas parfois,
Les enfants de nos enfants ?
Histoires, saga romantique,
Avec des capes et des épées,
Des morts stupides et héroïques,
Et des légendes dorées.

 

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D’après Jean Tardieu
Compagnie C’est-pas-du-jeu
Mise en scène : Sophie Accard

A la pièce sombre et cruelle de Peter Handke succède un spectacle jubilatoire et fantaisiste. La troupe C’est-pas-du-jeu dirigée par Sophie Accard (metteure en scène et merveilleuse comédienne) nous présente un patchwork tissé de cinq courtes pièces de Jean Tardieu, reliées par des transitions habiles : additifs qui requièrent un jeu silencieux, des personnages pendant le changement de décor, intervention d’un narrateur-présentateur.
Le spectacle s’ouvre sur un duo parfaitement huilé entre Monsieur A (Tchavdar Pentchev) et Madame B (Anaïs Merienne) dominé par l’implicite, car les phrases ne sont jamais achevées – « Finissez vos phrases ». Au spectateur de deviner les non-dits suggérés par la gestuelle et les mimiques ininterrompues !

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Maman !
Ils ont mis du champagne dans mon théâtre !
Ils ont fait une  fête fantasque avec  des couleurs et des grimaces,
Des costumes changeants et des décors qui bougent,
De la musique iconoclaste et des nez rouges.
Ils étaient  la jeunesse qui rit d’être jeune,
Qui danse d’être jeune,
Et qui s’en bat l’œil d’être jeune,
Parce qu’elle s’amuse, la jeunesse,
Aux vents des mots du vieux Tardieu,
Un qui s’est fait Dieu sur le tard,
Pour qu’on s’en bâte l’œil de la tristesse,
De la bassesse de l’humanité,
De la béance du néant,
De la petitesse des pédants,
De l’anse du panier des mots fléchés,
De l’os à voile et à vapeur,
Et des enfants perdus sans collier.

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De Peter Handke
Cie La Bataille
Mise en scène : Xavier Bazin

Décor minimaliste à l'image d'une station de métro glauque comme le moral de l'acteur.
Déçu par la vie, le décor du métro devient son seul univers, son refuge pour taire sa solitude.
Le public interpellé comme les passagers de son wagon.
Tout le monde en a pris pour son grade,  grinçant, caustique
comme nous savons l'être parfois, pour se défendre : l'attaque.
Nous avons ri aussi en entendant des vérités qu'on pense parfois
 sans se permettre de les dire.

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Enfin un peu d’humanité !
Certes du rogue, du rude, de l’ivrogne borgne,
A la trogne de pendu,
Préférant l’injurieux à l’injure,
Quelque chose d’humiliant et de prude,
Entre amour et haine,
Préférant la mort à la terreur de vivre,
Volcan éructant à l’intérieur de lui-même,
Baignant dans sa lave,
Torche vivante s’éteignant doucement dans sa nuit.
La souffrance était un plaisir solitaire,
Tel un enfant pleurant sa mère,
Remplissant le vide de son cri.
C’était un peu long, toutes ces phrases de bave,
Fausse haine gonflée de jalousie,
Jetée à la face des gens,
Coincés dans leur silence, leur fauteuil
Et leur anonymat futile.

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De Toshiki Okada
Cie des Lucioles
Mise en scène : Jérôme Wacquiez

 

Il n’aura fallu que quelques secondes pour comprendre que la pièce de Toshiki Okada n’était pas un long fleuve tranquille. Au contraire, c’était une bouffée d’énergie qui a bousculé - peut-être trop parfois – le théâtre de Coye-la-Forêt lundi soir.      

Une énergie portée principalement par les sept jeunes comédiens de Cinq jours en mars qui incarnent méticuleusement leurs rôles du début à la fin bien qu’ils soient isolés à chaque scène. Ambiance survoltée, dialogues ciselés, débit de parole élevé…tous les ingrédients étaient réunis pour happer le spectateur. Les successions de tableaux et les rôles interchangeables se sont enchaînés naturellement sans que l’on perde le fil de l’histoire.

Mais au-delà du jeu des acteurs et des décors dynamiques,  Cinq jours en mars est avant tout une pièce qui en dit long sur la « génération Y », ces jeunes âgés entre 20 et 30 ans qui ne peuvent pas vivre sans leurs téléphones portables.  

 

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ant d’efforts, pour si peu d’humanité !
Tant de talents, pour si peu de profondeur !
Magnifiques acteurs pourtant !
Mais des phrases vidées,
Des mots légers, bulles irisées,
Confettis d’âmes pulvérisées,
Neige de substance blanche…
Qu’elles étaient belles et fines,
Et qu’ils étaient malins,
Magnifiques acteurs !
Mais pour nous assommer de bêtise humaine
Jusqu’à la nausée…

 

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D’après Marguerite Yourcenar  et Fernando Pessoa
Compagnie Bacchus
Adaptation et mise en scène : Jean Pétrement

 Un double rideau blanc occupe le fond de la scène, une estrade grise, quelques marches, un canapé noir partiellement recouvert d’une étoffe en velours rouge foncé, et, placé en hauteur, une sculpture représente le visage d’Antinoüs, favori et amant de l’empereur mort à 20 ans noyé dans le Nil. Hadrien, très affecté, fera réaliser un grand de sculptures à son effigie.
L’ensemble est sobre, mais suffisant pour évoquer une demeure romaine.
Deux personnages sont en scène au lever du rideau : l’empereur Hadrien (Jean Pétrement) dont la mort est proche, et Elixa (Elisa Oriol), une esclave pétillante dont le parler vif et imagé apporte une touche de légèreté à l’atmosphère de cette première scène.
L’empereur convoque Antoine (Issame Chayle), son secrétaire, qui s’installe derrière un lutrin pour transcrire les mémoires dictés par Hadrien. Les contrastes, accusés par les effets de lumière, soulignent son maintien et contribuent à donner un sentiment de gravité à la scène.

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On t’a quand même entendu,
Marguerite !
On a tendu l’oreille,
Les belles notes rondes de tes idées carrées
S’y sont quand même déposées.

Ce soir, elle était belle, il était beau,
Et il y avait cet extraordinaire  vieux grand nabot.
On manquait quand même un peu d’air.
Entre les grands airs des grands acteurs,
On cherchait sa respiration.
Le tragique vous serrait à la gorge,
Mais l’humanité,
Encore une fois, n’était pas là.

 

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D’aprèsJoseph Kessel
Atelier Théâtre Actuel
Mise en scène : Eric Bouvron et Anne Bourgeois

Comédien formé en Afrique du Sud puis auprès d’Ariane Mnouchkine et Peter Brook, Eric Bouvron a mis deux ans à sculpter dans la masse d’un roman de 800 pages ce prodige de spectacle - mis en scène avec Anne Bourgeois - qu’il porte de bout en bout avec Grégori Baquet, Molière 2014 de la révélation théâtrale masculine, et Maïa Guéritte.
Eric Bouvron incarne Ouroz, fils du grand Toursène, qui doit participer au plus grand tournoi d’Afghanistan : le Bouzkachi du roi, une course violente où tous les coups sont permis. Dès le lever de rideau, la scène du centre culturel s’élargit à l’infini des steppes, dans une lumière brutale, poudreuse - vraie lumière du désert. Les éclairages de Stéphane Baquet dilatent l’espace, suggèrent jusqu’au sang qui gicle sous les coups de cravache, tandis que l’incroyable bande son déroulée sur scène par Khalid K, l’homme orchestre, transforme les tabourets en étalons écumants, fait rouler les pierres, souffler le vent, claquer les fouets, chanter l’Hindou Kouch et le muezzin... L’épopée dans les montagnes hostiles est suggérée, mais avec quelle force ! En un instant, ces Cavaliers s’enracinent dans l’imaginaire du spectateur et l’emportent en un galop furieux aux odeurs de cheval et de charogne...

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ne cavalcade de tabourets fringants,
Des chants de gorges sombres,
Du sang et de l’encens,
Et la victoire sublime de la vertu sur la vie.
Une longue histoire d’hommes qui sombrent
Dans la misère et la furie,
Et la victoire stupide de la folie sur la vie.
La nuit des temps fait de l’ombre
Et cache le déshonneur et la honte des vengeances inassouvies.
La femme n’est qu’un petit moment de présent
Qui n’attire que mépris pour la vie qu’elle défend.

 

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D’après Machiavel
Théâtre de La Lucarne
Mise en scène : Serge Vinson
 

En raison de la forme vaguement humaine de sa racine, la mandragore a été associée depuis l'antiquité à des croyances et des rituels magiques. La racine de mandragore était censée procurer à son possesseur prospérité prodigieuse, abondance de biens et surtout fécondité.
C'est en s'appuyant sur cette mythologie, très vivante encore à la sortie du moyen âge, que Nicolas Machiavel construit son intrigue.

Dans la Florence du XVIe siècle, un beau jeune homme rêve de conquérir une femme mariée à un professeur vaniteux et benêt.

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l y avait des lumières et des couleurs qui bougeaient ce soir,
Derrière la Lucarne.
Il y avait des rires et des chants,
Et les cris des gens qui se prenaient à rire aux gaudrioles,
Ecrites pour qu’on rigole,
Pour que les gens se marrent des riches bourgeois stupides,
Des vieilles maquerelles cupides,
Et d’avides godelureaux qui se ravissent
De monter sur des femmes comme taureaux sur génisses.
Il y avait des rires d’enfants, derrière la Lucarne,
Pris aux jeux brillants des acteurs, par l’enthousiasme et la chaleur,
De cette bande de copains aux joyeuses couleurs
Qui ont porté ce soir sur leurs ailes la pièce de Machiavel.

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